Thursday, December 31, 2009

Revisando una joya Crimsoniana reeditada - RED (1974)



HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente quiero enviar mi última reseña del año 2009 con un comentario sobre el que para mí (y, en realidad, para muchos melómanos) ha sido la más destacada re-edición progresiva de este año que ya se nos va – me estoy refiriendo a la más reciente edición del séptimo disco de estudio de KING CRIMSON, “Red”, dentro de la serie dedicada al 40mo. Aniversario del disco debut del mencionado Rey Carmesí (el fundamental “In The Court Of The Crimson King”). Se trata de mi opus crimsoniano favorito de todos los tiempos, y ciertamente esta re-edición en formato doble de CD + DVD es un ítem prácticamente obligatorio para todo aquél que se precie de ser coleccionista progresivo. Así de simple.


Hace ya un tiempo que publiqué en el e-zine mexicano Manticornio [http://www.manticornio.com/rock-progresivo/K/KING-CRIMSON/red.html] y en la página española La Caja De Música [http://dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/kingcrimson_red.html] una reseña de “Red”, al cual sigo valorando como una obra crucial para la expansión y maduración del rock progresivo a medida que la década de los 70s llegaban a su Punto de Ecuador. Aquí transcribo parte de la reseña en cuestión.-

“El tema homónimo que abre el disco es toda una lección de cómo encajar progresiones disonantes de acordes en un contexto de hard rock; los diálogos y contrapuntos que establecen Fripp, Wetton y Bruford a través de los motivos centrales y el siniestro interludio están inteligentemente armados, mostrando un despliegue combinado de nervio e inteligencia. Este enfoque será recurrente en una multitud de pasajes del repertorio remanente: el tema ‘Red’ queda como emblemático de la faceta más aguerrida del disco, y justamente tenemos en la férrea ingeniería sonora emanada de la guitarra de base el truco para que el despliegue de tal faceta sea sumamente exitosa. ‘Fallen Angel’ alterna esta aspereza espartana con otros momentos más marcadamente melódicos, basados en los acordes de guitarra acústica que arman las bases de las mudanzas; las secciones cantadas se abren a lo lírico con una calidez conmovedora, pero con el suficiente toque de gris otoñal como para enrumbarse fluidamente hacia las tormentosas amalgamas instrumentales sobre las que se arman los estribillos. En efecto, es de destacar el eficaz contraste entre las texturas controladas de mellotron, oboe y retazos de guitarra para las mudanzas con los efluvios más libres y tensos de corneta que entran a contrapelo de los explosivos riffs controlados de Fripp durante los estribillos y hasta el fade-out. Con ‘One More Red Nightmare’ la banda construye una combinación atractiva de rock’n’roll y jazz con ocasionales toques de R’n’B, ayudando a levantar el espíritu tras un tema tan desgarrador como el precedente. La presencia del saxo sirve para acentuar el calor durante los pasajes instrumentales – además, una mención especial debe ir para la labor percusiva de Bruford, sin duda, uno de los momentos más inspirados de toda su extensa y diversa trayectoria.


Dando inicio a la segunda mitad del álbum, ‘Providence’ es básicamente un jam que sirve como testamento formal de David Cross antes de que KC se convierta en un power-trío para sus últimos meses de existencia en los 70s. Tomado de un concierto, el jam comienza con un violín flotante, que poco después deja campo para que la guitarra de Fripp asuma el protagonismo, hasta que finalmente, el violín y la guitarra confluyen en una extroversión psicodélica inteligentemente articulada. La sección rítmica se porta fenomenalmente, añadiendo aportes adecuados para los climas que se van evocando sucesivamente a través de las intervenciones de los dos solistas. Lo mejor de lo mejor queda reservado para la última pieza: ‘Starless’ es en sí misma una gema progresiva absoluta. El tema comienza como todo lento típicamente crimsoniano, con un mellotron que dirige el sendero melódico desplegando capas etéreas y un tempo lento manejado con distinción y precisión. La guitarra establece ocasionales contrapuntos frente la mellotron, mientras que el saxo soprano complementa majestuosamente las impactantes líneas vocales de Wetton. Ninguna otra melodía podía encajar mejor dentro del ambiente espiritual exhibido en la letra, la misma que retrata el contraste entre los fulgores últimos del atardecer y la oscuridad inescrutable del yo interior. Tras concluir esta sección, viene a continuación el solo minimalista de guitarra más famoso de la historia del progresivo: el cuadro unicolor que pinta Fripp es enriquecido por las elegantemente perversas líneas de bajo marcadas por Wetton y los creativos matices percusivos a cargo del siempre brillante Bruford. La parte final de este alucinado interludio se engarza muy bien con el clímax parcial que se crea con el jam ultra-pesado, en el cual el saxo alto y la guitarra alternan sus solos. Finalmente, el motivo inicial es retomado en el espléndido clímax final, siendo así que el cello, el contrabajo y el oboe completan el conmovedor cuadro orquestal soberbiamente centrado en el mellotron. Solo una canción tan cautivante y perturbadora como ‘Starless’ podía cerrar con broche de oro un disco tan estupendo como éste.”


Con el paso del tiempo, mi apreciación de “Red” en los términos expuestos no solo se mantiene sino que se incrementa en proporciones geométricas – es así, con toda la energía del corazón y toda la focalización de la mente, que las joyas musicales deben apreciarse, entenderse, amarse. El CD contenido en esta re-edición de 40. Aniversario contiene, además del repertorio oficial de cinco temas, las tomas primigenias de estudio de ‘Red’ y ‘Fallen Angel’ y la versión completa de ‘Providence’, recuperando así su clímax real, el cual se extendía por un par de minutos más: esta coda recuperada para el gran público porta un groove funk-psicodélico con ciertos aires stoner: ¡un final alevosamente Crimsoniano! El librito contiene algunas fotos del último concierto que dio KC durante la etapa con Wetton, que también fue la última actividad de Cross en la banda. También hay anécdotas reveladoras y/o graciosas en torno a la grabación de este disco, el cual habría de marcar el final de una época crucial para el rock experimental. Una que revela claramente el contraste entre el creciente entusiasmo de Wetton y la crisis existencial de Fripp es que el primero fue el principal impulsor del armado del repertorio de este álbum, empezando con el instrumental homónimo y terminando con la poderosa ‘Starless’ al modo de un setlist para un concierto... todo ello mientras Fripp aguardaba el momento para decir que había tomado la decisión de disolver a KING CRIMSON tras la grabación del nuevo álbum. De nada sirvió que Wetton iniciara una especie de lobby para que Ian McDonald volviera al grupo y encaminara al grupo desde su posición de grupo de culto a estrella de rock. Pero bueno, de todos modos, ‘Starless’ era una canción que había fungido de inapelable encore durante varios de los conciertos de la última gira del todavía cuarteto por lo que su lugar en el disco se imponía de una manera u otra. El aguerrido instrumental homónimo ya había sido ensayado en su primer formato embrionario en pruebas de sonido, pero cuando Fripp le dio forma acabada para presentarlo al grupo, Bruford expresó una inicial falta de interés [“no me conecto con esta pieza, per osi vosotros dos decís que es buna, entonces la hacemos”], a lo cual reaccionó el autor con una actitud de “está bien, no tenemos que grabarlo”: Wetton fue quien insistió en utilizarlo para dar el inicio impactante al disco. Respecto al vibrante y estridente sonido de los platillos en el arsenal percusivo utilizado para ‘One More Red Nightmare’, pues resulta que el buen Bill cogió dichos platillos adicionales de un cubo de basura, con los cuales quería emular el sonido del maestro BILLY COBHAM.

 

Por su parte, el DVD contiene documentos visuales de las ejecuciones de ‘Larks’ Tongues In Aspic Part II’‘Trio’/‘The Night Watch’‘Lament’ y ‘Starless’ por parte del cuarteto Fripp-Wetton-Bruford-Cross en un programa televisivo francés. Es curioso y revelador oír a Wetton cantar una letra repetitiva y aún no definitivamente perfilada en ‘Starless’, y más revelador aún observar el lenguaje corporal de Bruford a la hora de aportar ornamentos percusivos al poderoso interludio en 13/8. Tiene también archivos de audio del disco “Red” completo, más los 3 bonus track que ya aparecen en el CD, más un jam en vivo titulado ‘A Voyage To The Centre Of The Cosmos’, que es de la misma onda cerebralmente lisérgica que ‘Starless And Bible Black’, aunque con un filo más aguerrido, lo cual a su vez redunda en un acabado más majestuoso. Esta pieza debió haberse beneficiado de una versión de estudio adecuada, realmente, a pesar de la afirmación que hace Wetton de que el grupo incluía temas en vivo dentro del repertorio de sus discos porque el material compuesto no era suficiente para llenar un long play entero, la verdad que ‘A Voyage To The Centre Of The Cosmos’ resulta una pieza monstruosamente perfecta como para ocupar casi todo un lado entero. La remasterización estuvo a cargo de Steven Wilson (sí, el mismo de PORCUPINE TREE y otros proyectos llamativos dentro de la vanguardia rockera actual), con varias opciones de audio tanto para el CD como para el DVD: los formatos Lossless, Digital Surround y PCM Stereo 2.0 están a disposición del oyente para ir recordando los sonidos que ya conoce o redescubrirlos con nuevos realces. Wilson admite que su labor de ingeniería de sonido fue más sencilla que con otros discos de KING CRIMSON porque la mezcla original ya tenía, de por sí, bastante equilibrio y carácter a través de las aguerridas interacciones de los instrumentistas. En todo caso, se valió de un encuadre donde el bajo y la batería tiene cada uno su canal y las guitarras de Fripp se lucen en medio de ambos, todo ello con el propósito de resaltar el esquema de power-trío con el que funcionaba KING CRIMSON en esa fase postrera de su etapa 70era. En conclusión, tenemos aquí una reedición... ¡¡IMPERDIBLE!!


Y de paso, vayan mis deseos por que todos ustedes, amigos de AUTOPOIETICAN, tengan un Próspero y Dichoso Año Nuevo 2010.

Monday, December 28, 2009

REDD reeditado - el 30mo. aniversario de "Tristes Noticias Del Imperio"



HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Repasemos en esta ocasión una parte importante de la movida progresiva argentina setentera que tuvo lugar fuera de la urbe bonaerense: más específicamente ,volquemos nuestra mirada retrospectiva hacia Tucumán. "Tristes Noticias Del Imperio" fue el disco debut de REDD: ambos, disco y grupo, son los referentes indiscutibles de la vanguardia rockera en la mencionada localidad argentina de Tucumán. La iniciativa de parte del sello Viajero Inmóvil de reeditar este disco para celebrar el 30mo. aniversario de su primera aparición en el mercado es muy de agradecer, teniendo en cuenta el modo tan meticuloso y prolijo con el que se ha plasmado el formato digi-pack de múltiples dobleces: montones de información (especialmente en una hojita adicional), fotos, letras de las canciones (más un poema extra), testimonios de músicos, colaboradores y apreciadores de la banda. Como no es de extrañar, hay un amplio espacio para homenajear al baterista original Luis Escalante, quien falleció en febrero de 2005: su carácter creativo y su talentosa solvencia musical lo hicieron una persona muy querida por sus allegados, además de que fungía como el eje central de REDD durante los primeros años de la banda.



El repertorio de esta reedición es como sigue:
1. Reyes En Guerra
2. Kámala II
3. Kámala
4. Nocturno De Enero
5. Matinée
6. Tristes Noticias Del Imperio
7. Parche Armónico [bonus track]
8. Después De Un Mes [bonus track]
9. Tristes Noticias Del Imperio [bonus track]
10. Matinée [bonus track]
11. Parto [bonus track]

El trío original de REDD consistía en:
- Luis Albornoz / guitarras eléctricas y acústicas, coros
- Esteban Cerioni / bajo, sintetizador, coros
- Juan Escalante / batería, percusión, piano, sintetizador, voz
Esta misma formación se conserva en los tres primeros bonus tracks: de los dos primeros, uno tomado de una sala de ensayos y otra de un recital en la patria chica de la banda durante los últimos 70s. Los tres últimos bonus tracks fueron tomados de un evento denominado Reunión II, el cual tuvo lugar en agosto de 2003 y que congregaba reformaciones de viejos grupos de la oleada rockera tucumana (con un foco especial en REDD, por supuesto). En esta ocasión, el trío original se vio aumentado por Carlos Capdevila (batería en 10 y 11), Óscar Imhoff (voz en 10 y 11), Luis Corvalán (guitarra eléctrica en 10 y 11), José Aráoz (teclados en 11) y Clay Huston (guitarra eléctrica en 11). Para la tocada de ‘Matinée’, Escalante se pasó al piano y compartió roles vocales con Imhoff.


Con los primeros seis ítems, el repertorio de estudio queda reordenado en su formato original: aparte de lo interesante que resultó la primera edición digital de “Tristes Noticias Del Imperio” de 1996 a cargo del sello brasileño Progressive Rock Worldwide, fue un aspecto un poco cuestionable que se tomara tantas libertades con la secuencia de temas. Así pues, con esta reedición, el disco comienza con ‘Reyes En Guerra’, tema poderoso sin recurrir a factores estridentes – su magia lírica se alimenta de sutiles sonoridades bien orquestadas aportadas por los guitarreos y las capas de teclado, mientras que la dupla rítmica crea un dinamismo contenido bastante efectivo. Un clásico inapelable de Redd. Acto seguido, la dupla de ‘Kámala II’ y ‘Kámala’ ahonda en dicho lirismo desde el rol protagónico de las guitarras acústicas: la primera se explaya en un esquema bucólico que, merced a los ornamentos de teclado inteligentemente insertados, adoptan una sutil aureola cósmica al modo de un condimento extra; la segunda adopta ciertos aires jazz-rock a fin de reacoplar el aura pastoral inherente a la composición básica. ‘Nocturno De Enero’ desarrolla de forma más fehaciente el estándar propio de las ambiciones progresivas dentro del rock, con su buena utilización de motivos variantes y cambios de ritmo, pero hasta ahora siento que la composición debió explotarse un poco más con una mayor expansión del interludio jazz-rockero – en bloque, esta hermosa pieza me recuerda a una confluencia entre INVISIBLE y LE ORME. La segunda mitad del disco es donde REDD explora su potencial más épico. ‘Matinée’ es una pieza en clave rítmica de blues cuya recurrente cadencia jazzera y su desarrollo propio del rock sinfónico le permiten concretizar musicalmente la intensidad arrolladora de su melancólica letra – otro clásico incuestionable de la banda. Los últimos 9 minutos y pico del repertorio de estudio están ocupados por la canción homónima, la misma que resulta la pieza más muscular del mismo. Con su mezcla de floydismo y crimsonismo, desenvuelta sobre un esquema melódico que preserva sólidamente el interés del oyente, ‘Tristes Noticias Del Imperio’ funciona casi como el CV perfecto de la banda: sin pretender desestimar de ninguna manera la labor de Albornoz, hay que decir que la dupla rítmica se luce de forma especial aquí, creando dinámica y síncopas inteligentes a través de los diversos cambios de compases que van tomando lugar.



Los instrumentales ‘Parche Armónico’ y ‘Un Mes Después’ son estupendos. El primero se focaliza en riffs y síncopas aguerridos de parte de un trío que hace sentir su robustez de una manera inusitada: ¿por qué no fue incluido en el disco de estudio? El segundo es un ejercicio de variantes progresivas en las que el grupo luce una vez más su eficiencia preformativa y buen gusto en sus explanaciones instrumentales. Los tres siguientes bonus tracks tienen una sonoridad más clara (claro está, debido a la tecnología más contemporánea que registró las ejecuciones) – ‘Tristes Noticias Del Imperio’ porta dosis aumentadas de vigor y frenesí, ‘Matinée’ es llevado, por obra y gracia de la dupla vocal de Escalante y Óscar Imhoff (quien otrora fue miembro de REDD para su segundo disco de estudio), hacia dimensiones épicas, y el cierre con ‘Parto’ es toda una genuina celebración del rock. No me queda nada más que decir sobre esta gema progresiva reinstaurada: es un tributo justo y apropiado a la primera etapa de REDD, banda que por fortuna sigue vigente en estos días de la mano de Luis Albornoz y Esteban Cerioni.

Muestras de “Tristes Noticias Del Imperio”.-
Matinée: http://www.youtube.com/watch?v=VPx1jyzfsIs
Tristes Noticias Del Imperio: http://www.youtube.com/watch?v=MFCKF0zJouA

Sunday, December 27, 2009

ALTRUISMOS - la joven imagen del rock progresivo argentino


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es hora de hablar sobre ALTRUISMOS, banda argentina muy nueva y también muy joven: en este tiempo en que su disco debut “Imagen” acaba de ser lanzado al mercado por vía de viajero Inmóvil, tres de sus cuatro componentes no han llegado todavía a la veintena y el cuarto recién tiene 23 años. Tal como se puede sospechar, el sonido de la banda está lleno de vigor e ímpetu, un sonido alimentado por las ganas de plantearse un reto ecléctico y exigente donde se mezclan la magia sofisticada del estándar progresivo, el colorido robusto del prog-metal y la exquisitez del jazz-rock (con una inspiración repartida entre la tradición 70era de MAHAVISHNU ORCHESTRA y RETURN TO FOREVER y las ofertas más recientes de TRIBAL TECH, PLANET-X y LIQUID TENSION EXPERIMENT). Frente a nuestros oídos, ALTRUISMOS desarrolla el camino hacia su madurez, siendo así que ya encontramos indicios puntuales de ella en varios pasajes de este disco debut.

El disco comienza con una introducción cósmica, la cual se engarza muy bien con las ambientaciones etéreas que conforman el cuerpo central de ‘Factor Crisálida’: este primer tema “real” empieza concentrándose en climas evocativos sobre un desarrollo rítmico lento, conformando así una confluencia entre PINK FLOYD y PAT METHENY, con su leve toque crimsoniano. El rol líder del guitarrista Pereda dentro del esquema sonoro general está claramente definido. En los últimos pasajes, la pieza se intensifica para así desarrollar un filo rockero más agudo, aunque siempre permanece el espíritu evocativo de base. ‘Altruista’ es el primer tema del álbum donde la banda se explaya en su faceta extrovertida, que es a todas luces la más recurrente. Se trata de un tema claramente encapsulado entre las coordenadas del jazz-rock metalizado, al modo de un híbrido de LTE y GORDIAN KNOT empapado de aromas a lo RTF: de hecho, las tonadas de piano que Nocelli elabora en varios pasajes portan la influencia de Chick Corea, y además, también toca un solo de órgano bastante impresionante, dicho sea de paso. En este momento, el disco ya ha elevado la temperatura del ambiente, y es así que ‘Erradia Crónica’ entra a tallar con su alegre dinamismo.
El tema comienza con un swing fabuloso, enmarcado en una sonoridad moderna y ahondando en las profundas inquietudes jazzeras del grupo. No tarda mucho el ensamble en desplegar su sentido aventurero pues la pieza fluye por cadencias que coquetean abiertamente con el free-jazz, llegando finalmente el grupo a intoxicarse con aguerridos climas psicodélicos antes de llegar al sexto minuto. A partir de aquí, se arma gradualmente un motivo arquitectónico marcado por la dupla de guitarra y bajo, el mismo que abre camino para el tema homónimo. ‘Imagen’ es una pieza extensa y ambiciosa, lo cual deja campo abierto para que el grupo organice su visión ecléctica de jazz-rock, progresivo sinfónico, neurosis crimsoniana de la etapa 90s-00s y tendencias metaleras dentro de una amalgama compositiva fastuosa y vitalista… y por qué no, también ostentosa. En muchos aspectos, esta pieza condensa la línea de trabajo de Altruismos desde su particularidad. ‘Comela’ nos devuelve a las experimentaciones jazz-rockeras de ‘Altruistas’ y ‘Erradia Crónica’, aunque con un filo rockero más minucioso y una armazón sonora en líneas generales más muscular. El tema más largo del disco (y el único cantado) es ‘Pánico En Deja Vú’, el cual ocupa un espacio un poco mayor de 14 minutos. Tras una breve introducción psicodélicamente aleatoria, la pieza se enmarca en un ambiente contemplativo majestuoso, claramente definido en lo sinfónico con ciertos matices prog-metal llamados a generar una añadida fastuosidad. A partir del noveno minuto, la vertiente prog-metal pasa a ser el ingrediente principal a partir de la creación de un jam potente que transmite ambientes inapelablemente robustos. Después de su arrebatadora conclusión, los climas psicodélicos de apertura regresan para armar una coda intrigante.

En mi humilde opinión, algunos detalles de la producción de sonido de “Imagen” pudieron haberse elaborado mejor a fin de que los sonidos del bajo no quedaran un poco “perdidos” entre la compleja labor del baterista y las esforzadas labores del guitarrista y el teclista, pero nada de esto altera mi percepción positiva sobre los méritos musicales del disco en cuestión. Hay que prestar atención a esta ópera prima de ALTRUISMOS y a todo lo que el susodicho grupo pueda irnos ofreciendo en futuros trabajos discográficos: por lo pronto, el grupo ha comenzado con buen pie.

Concluimos esta reseña con unos tubitos que dejan constancia de la energía inherente a este joven ensamble argentino:
Altruista - http://www.youtube.com/watch?v=OZjwM9Uuods
Imagen - http://www.youtube.com/watch?v=mP6aUMcqILY

Saturday, December 26, 2009

La onomatopeya musical de CUAC! - grata sorpresa progresiva para fines de 2009

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hace pocas semanas, el grupo español CUAC! lanzó al mercado su homónimo disco debut, después de varios años en la brega por difundir su visión ecléctica de la música moderna: una confluencia de jazz fusión, funky, rock progresivo, pop de línea Indie y psicodelia se desarrolla de manera convincente en el repertorio de “Cuac!”. El mismo grupo denomina a su estilo con el neologismo de “onomatopop”: básicamente, se trata de una celebración humorística de su propia iconoclasia sonora. Anecdóticamente, la formación de CUAC! involucra a miembros del grupo SENOGUL tanto en el personal como en la lista de músicos invitados: de hecho, el lanzamiento de “Cuac!” se enmarca dentro de un proyecto discográfico llamado Disconsonancia, el cual busca crear y dar espacios a bandas relacionadas con los mencionados SENOGUL.

El disco abre con ‘No te conocía ese jersey’, tema que comienza con serenas capas de sintetizador sobre las que Pire expone un canto dulce con un toque leve de neurosis, para que luego el cuerpo central se desarrolle sobre un groove fusionesco refinado. El solo de guitarra medio a lo Fripp aporta un factor extraño al asunto sin romper con el esquema general de la pieza, el cual también incluye algunas escalas crimsonianas 80eras y un breve (demasiado breve) solo de sintetizador a lo Bardens. Tras esta gran entrada viene ‘Anika Pistophen’, tema enmarcado en cadencias bossanova, siendo así que perpetúa la refinada aureola evocativa iniciada por el tema de entrada: la presencia invitada del saxo completa eficazmente el carácter de la pieza. ‘Nun’ se enmarca en un ambiente más grisáceo, misterioso con un cierto talante ensoñador, casi en la onda de PORTISHEAD con su matiz crimsoniano extra: la coda de esta pieza se desarrolla en un excelente clímax progresivo. Con ‘Voleybol para adultos’, el grupo se retrotrae hacia esquemas jazzeros más serenos, para que acto seguido, el instrumental ‘Heliocentrismo’ nos brinde una atmósfera sinfónica ingeniosamente envolvente. ‘ExBeachIt’ es un cálido ejercicio de jazz-pop cuyo colorido sobriamente ágil no tiene mucho que ver con las intrigantes sutilezas de ‘Vomitina’, pieza que me suena a un conglomerado de PORTISHEAD y TORTOISE con BJORK a la cabeza: la descripción formal que acabo de hacer no resulta descabellada, merced a la manera tan contenida en que el grupo sabe armar sus amalgamas sonoras. ‘Fuagrás’ se encuadra dentro del jazz-pop con tonalidades muy amables (más un impresionante solo de saxo invitado), mientras que ‘¡Que alguien haga algo!’ se desenvuelve en climas psicodélicos flotantes, llenos de vitalidad sin hacerse realmente agresivo. ‘Marlene’ es un tema a ritmo de cabaret germánico, gracioso, muy a contrapunto con el tema que viene a continuación, ‘Abismo’, que tiene una belleza melódica manejada con agilidad. Su engañoso aire relajante en realidad refleja una misteriosa inquietud, y además, en sus momentos más intensos expone una plenitud neurótica inapelable, amén del que me parece el mejor solo de guitarra en todo el disco. ‘Tumbaos’ regresa a las aguas cálidas del jazz-fusión con aires latinos, antes de que ‘Corredor en el filo’ cierre el disco con esa ágil mezcla de jazz-rock y rock sinfónico que ya se hizo presente en otras piezas dominantes del álbum.

En verdad, esta oferta brindada por CUAC! me ha supuesto una gratísima sorpresa melómana para fines de este año 2009, independientemente de que le queramos llamar rock progresivo, rock ecléctico u onomatopop.

Saturday, December 05, 2009

MIRIODOR avanza en su reinado progresivo con una joya progresiva del 2009





HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El grupo canadiense MIRIODOR, como para no perder la costumbre, ha vuelto a lucirse con una nueva joya fonográfica titulada “Avanti!”, la misma que supone para mí una integrante necesaria del Top 5 progresivo para el presente año 2009. Publicado por el sello Cuneiform, “Avanti!” nos muestra a esta banda convincentemente afianzada en su faceta más poderosa, siendo así que su propuesta de R.I.O. modernizado se beneficia de un uso más recurrente de sonoridades y arreglos musculares. Contando actualmente con el formato condensado de cuarteto, Bernard Falaise se encarga de las guitarras, bajo sin trastes, mandolina, banjo, teclados y efectos de tornamesa; Pascal Globensky, de los teclados, piano y sintetizadores; Rémi Leclerc, de la batería, percusiones y sampleos; y Nicolas Masino, del bajo, piano y teclados. Los invitados ocasionales a los vientos (incluída la ex- miembro Marie Chantal Leclair en el saxo soprano) hacen notar sus aportes con prestancia y habilidad debidas.



‘Envoutement’ abre el disco con una cadencia lenta y densa, explícitamente marcada por aires psicodélicos donde el bajo distorsionado asume un protagonismo inapelable dentro del esquema instrumental global. Cuando llega la segunda sección, el tema torna hacia climas más gráciles, basadas en juegos amables de disonancias en una suerte de confluencia entre UNIVERS ZERO, MANEIGE y GENTLE GIANT. La precisión arquitectónica en las interrelaciones de los músicos es admirable, lo cual no obstaculiza la expresión de calidez. ‘Bolide Debile’ se estructura sobre una sólida cadencia jazzera, con lo cual se gesta un esquema constantemente extrovertido sobre el cual los diversos motivos transitan con impecable fluidez. El solo de guitarra final es todo un tributo a Fred Frith. ‘La Roche’ guarda una aureola más contenida, incluso nostálgica: a pesar del tono decididamente experimental de su desarrollo temático (con algunos retazos inesperados a lo ZAPPA), el compás calmado permite que prevalezca y se afiance la sensación de dulce melancolía, incluso en aquellos pasajes donde lo tétrico parece apoderarse de la atmósfera general. ‘Écart-type’ se destaca, para empezar, como la pieza más extrovertida de todo el álbum: el clima juguetón que la atraviesa de forma sistemática parece diseñado para desarrollar un espíritu celebratorio. Una vez más, cabe destacar el fuerte peso que las herencias de MANEIGE y GENTLE GIANT tienen en le esencia particular de MIRIODOR, así como algunos factores procedentes del Canterbury de HATFIELD & THE NORTH y NATIONAL HEALTH. ‘À Déterminer’, con sus casi 10 ½ minutos de duración, resulta el tema más extenso del disco. Mayormente desarrollado sobre estructuras rítmicas contenidas, el tema despliega una majestuosidad a veces penetrada por una sensación de denso misterio, otras veces ordenada bajo la lógica de la tensión y la neurosis, siempre muscular, nunca chocante, sabiamente articulada a través de sus comedidos vaivenes internos hasta llegar a una conclusión alegremente traviesa. Los últimos 16 minutos del disco están ocupados por dos temas que conjuntamente completan un clímax perfecto para el mismo. El primero es el tema homónimo, el cual establece un esquema de jazz-progresivo que tiene tanto que ver con el estándar de MANEIGE y SLOCHE como con el nervio psicodélico del KING CRIMSON 73-74 y la ágil sofisticación de GENTLE GIANT, además de su momentánea sorpresa zappiana. El último es ‘Réveille-matin’, pieza contenida bajo una armazón evocativa en donde el núcleo melódico incorpora texturas exóticas. En buena medida, este tema captura una perfecta síntesis de los sonidos y ambientes que han ido predominando a lo largo del repertorio íntegro del álbum, y teniendo en cuenta que hay un espíritu primordialmente ceremonioso en esta pieza en particular, está correctamente ubicado al cierre.

“Avanti!” es un despliegue espectacular de imaginación progresiva. Teniendo una trayectoria tan extensa y un esquema sonoro tan férreamente definido, MIRIODOR no es hoy en día tanto una banda dispuesta a generar inauditas sorpresas para quienes ya la siguen desde hace tiempo como una banda capaz de recrear nuevas vitalidades a lo largo del camino – que tiene suficiente maestría como para lograrlo en proporciones geométricas con cada nuevo disco, es una intuición que se confirma a plenitud y con creces tras unas pocas escuchas detenidas de “Avanti!”.


Muestra de “Avanti!”.-
La Roche: http://vimeo.com/25809418

Thursday, December 03, 2009

KANSAS, hogar del rock progresivo por 35 años



HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Ya voy por mi tercer comentario sobre KANSAS desde que se inició mi asociación con José Zegarra y este blog AUTOPIETICAN. Todavía está presente en mi memoria reciente mi excitación por la re-edición digital del disco en vivo "Two For the Show" a mediados del año pasado, y más presente está la actuación de esta banda en Lima, mostrando buena parte de su repertorio clásico ante un público entregado y cómplice hace dos meses y medio. La razón de la gira mundial que ha estado realizando KANSAS en este año 2009 que ya se nos va fue la celebración de los 35 años de trayectoria discográfica, cuyo primer paso fue el disco homónimo de 1974. Este aniversario había comenzado el 7 de febrero de 2009 con un concierto especial en el Auditorio de la Universidad de Washburn, con el apoyo de la Orquesta Sinfónica de dicho centro de estudios superiores, más invitados especiales… a la sazón, Kerry Livgren y Steve Morse, es decir, el hombre que completó la forma definitiva de la formación clásica y el hombre que ayudó a la banda a reactivar la energía rockera de la banda durante la segunda mitad de los 80s. Este concierto estaba a todas luces diseñado para repasar varios puntos de referencia vitales dentro de una amplia discografía, un homenaje meticuloso a la propia obra, asumida con orgullo. Teniendo en cuenta el contexto orquestal del asunto, quedaba claro que la faceta más ambiciosa artísticamente tendría un realce especial, y justamente es esto lo que nos trae el DVD "There's Know Place Like Home".



Ahora que "There's Know Place Like Home" es un ítem físico, puedo decir que es un DVD excelente, que refleja fielmente la buena onda y el espíritu entrañable que la ocasión ameritaba, lleno de ejecuciones precisas y sensibles de clásicos kansianos de diverso calibre, así como de otros temas no tan "decisivos" pero que igualmente tienen sentido dentro del esquema general del concierto. La secuencia de 'Howlin' At The Moon' y el arreglo moderno de 'Belexes' ya está circulando en las giras de Kansas desde hace tiempo, por lo que su dosis de majestad y polenta no nos toman por sorpresa, pero sí que se hace notar la pertinencia de los arreglos orquestales. Claro está, Ragsdale hace gala de su virtuosismo, candidez y carisma a todo momento, un hombre que ha absorbido el espíritu y la dinámica del KANSAS esencial. Larry Baird, desde su rol de director orquestal, opera como un cómplice perfecto al erigirse como pieza clave para gestar la realidad de la magnificencia de 'Song For America', 'Nobody's Home' y 'The Wall'; de la prestancia de 'Point Of Know Return', 'Cheyenne Anthem' y 'Miracles Out Of Nowhere'; de la introspección épica de 'On The Other Side' y 'Hold On' (con su infaltable interludio extraído del epílogo de 'Peaceful And Warm'); de la nostalgia envolvente de 'Ghosts' y 'Dust In The Wind'. Una cosa curiosa es el uso de arreglos orquestales también para 'Fight Fire With Fire', un tema alevosamente AOR que en este evento adquiere una dinámica extra merced al uso de la orquesta. El asunto adquiere intenciones cinematográficas en los temas 'Song For America' e 'Icarus II': durante el interludio del primero, se muestran imágenes del aspecto industrial de los EE.UU. en perfecto complemento con su excelsa cadencia, mientras que en varios momentos del segundo se pasan imágenes de combates bélicos aéreos, realzando así la vibración heroica de su temática. Por supuesto, este último tema viene seguido de ‘Icarus’, otra pieza fundamental dentro de la gloriosa tradición de KANSAS.

El ingreso del primer invitado de la noche, Steve Morse, supone un vórtice hacia un clima de revitalización en esa noche de febrero: la ejecución de 'Musicatto' es magistral en su potencia y colorido y de inmediato, 'Ghosts' vuelve a exhibir su vibrante belleza, suavemente aumentada con el estribillo de 'Rainmaker'. Ojalá no se hubiese limitado al
Estribillo, sino que también hubiese aportado su explosivo interludio, el cual constituye el mejor momento del disco "In The Spirit Of Things". En fin, así son las cosas. Sin duda, Kerry Livgren es el invitado estrella por antonomasia: siendo el más viejo de los rockeros presentes sobre el escenario, aún sigue siendo capaz de ensalzar los momentos más intensos de 'Hold On' y 'Carry On Wayward Son', tema que construye un explico clímax conclusivo para el evento. Pero aún debo hacer una mención especial del bonus track 'Down The Road'. La razón de ello es que se trata de un jam que el grupo hizo durante las sesiones de ensayo previo… ¡¡con los dos invitados simultáneamente!! Esto es, se tiene a tres guitarristas en pleno retomando esta vieja canción de rodeo en torno a las terribles vicisitudes de un narcotraficante de poca monta que pretende huir de la furia de su poderoso proveedor. Se nota el clima de camaradería, casi se pueda tocar en el aire mientras se ve en la pantalla: Ragsdale se siente particularmente complementado con el estilo de Morse, quien en buena medida se roba el show durante la secuencia de solos improvisados en la sección intermedia. Se trata de un bonus invaluable.

Uno de los detalles que me parecen menos satisfactorios dentro de este estupendo DVD es que no incluya 'The Wall' integrado con el preludio de 'Incomudro', y que además, el órgano de fuelles a cargo de Kerry Livgren no se haga notar debidamente (suena mejor en la música de los créditos, que es precisamente la introducción de 'Incomudro'). Otra cosa es que se puede advertir que la sección de cuerdas resalta enormemente sobre las maderas y metales: es una pena que en los momentos más épicos de 'Cheyenne Anthem', 'Icarus' o 'Miracles Out Of Nowhere' no se luzcan realmente los aportes de los cornos y trombones, ni tampoco que las adiciones de las flautas hagan resaltar un contrapunto realmente eficaz a las capas de violines. Por otra parte, la adición de 'On The Other Side' es un gesto muy oportuno a la hora de resaltar que estamos también en el 30mo. aniversario del disco "Monolith". La ovación final tras 'Carry On Wayward Son' es un justo premio para un grupo que ha mostrado por enésima vez su oficio y sensibilidad en un evento que ha de quedar registrado con letras de oro en la historia del rock. Por lo pronto, este DVD debutó en el no. 5 de ventas de la lista Billboard: como dije antes, el arte de Kansas se las arregla para mantener su vigencia a pesar de que hace ya muchos años pasó su momentum de mayor gloria comercial. Conclusión final: un gran DVD recomendado y obligado para todo aquel que aprecie, de una manera u otra, el legado de KANSAS.

Concluyo esta reseña con los siguientes enlaces de Youtube que muestran grandiosos retazos de este documento audiovisual.-
Musicatto: http://www.youtube.com/watch?v=vQRH97ZolpY
Hold On: http://www.youtube.com/watch?v=YRCh8yh5Oys

Monday, November 30, 2009

THE TANGENT y sus nuevos relatos progresivos - elogio de "Down And Out In London And Paris"



HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Tal parece que Andy Tillison no se conforma con ser un cercano amigo de Roine Stolt, sino que también se propone compartir con él el cetro del “mayor trabajólico del progresivo actual”: así parece demostrarlo con su manera tan consistente e imparable de dirigir la trayectoria fonográfica de THE TANGENT, siendo así que el nuevo disco “Down And Out In Paris And London” acaba de salir al mercado casi al unísono de “Jitters”, disco de retorno de PARALLEL OR 90 DEGREES que ya fue reseñado por quien escribe en un momento anterior. A diferencia de este último THE TANGENT es un ensamble que se siente cómodo transitando por las composiciones de largo aliento dentro de un esquema progresivo retro. Ostentando influencias de YES, ELP y el VAN DER GRAAF GENERATOR 75-76 que se filtran a través de esquemas sonoros afines a los de THE FLOWER KINGS (etapa hasta “Flower Power”) y el SPOCK’S BEARD con Neal Morse, THE TANGENT vuelve a regalarnos una obra musical efectiva y atractiva. De este modo, se recupera la grandeza de “A Place In The Queue” después de los peligros de saturación con loso que había coqueteado el doble CD “Not As Good As The Book” – tras un puñado de primeras escuchas de “Down And Out In Paris And London”, siento que recupero mi motivación original por THE TANGENT. Con una formación renovada y totalmente británica, uno de los nuevos integrantes es el veterano baterista Paul Burgess (quien ha pasado por las filas de Camel, Jethro Tull, 10cc, entre otros).


‘Where Are They Now?’ ocupa los primeros casi 20 minutos del disco, y claro está, se trata de una suite progresiva épica a la vieja usanza, con pretensiones artísticas inocultadas que se muestran a lo largo de su secuencia de motivos varios y utilización de compases poco habituales. Tras un inicio calmo marcado por punteos adustos a lo Gilmour, la pieza no tarda en desarrollar una fastuosidad donde confluyen las herencias del YES de “Relayer” y el ELP estándar. La primera sección cantada tiene un predominio del compás 5/4, mientras que el entusiasta jam que comienza a partir del séptimo minuto incorpora algunas cadencias de tipo Canterbury (especialmente en ese vibrato que se pone a algunos sonidos de órgano) aunque sin perder el núcleo sinfónico, e incluso utilizando unos frenéticos trucos space-rock sobre el camino. Pasada la barrera de los 10’30”, nos topamos con una sección lenta dirigida por el canto y el piano, desde la cual se reelabora el motivo inicial y se transporta hacia nuevos caminos de desarrollo melódico trazados con fluidez y soltura. La parte final, ceremoniosa y potente, incluye un excelente solo de saxo a cargo del siempre infalible y refinado Theo Travis: no me hubiese importado que se recortara un poco el solo de guitarra con tal de dar unos segundos más a dicho solo, pero por lo demás, no tengo nada que objetar a este final tan poderoso. ‘Paroxetine 20 mg’ elaborar una confluencia entre contundentes sonoridades rockeras y cadencias rítmicas de corte R’n’B. A pesar del uso recurrente de su compás en 4/4, hay suficientes variantes de melodía, ambientación y atmósfera como para mantener el interés a un nivel tremendamente interesante. ‘Perdu Dans Paris’ es otro tema extenso, esta vez durando 11 ¾ minutos. A pesar de que el canto (habitual) de Tillison tiene un aura un tanto distante, influido por el estilo de Hammill en su obra solista, la canción porta una melancolía descorazonada, incluso en aquellos pasajes del interludio en los que la pieza adquiere un incremento en su compás. El refinado estilo de Jakko M. Jakszyk genera texturas cautivantes a través de los solos de guitarra. Se trata, a fin de cuentas, de un tema muy bello, emotivo a la vez que bien articulado. ‘The Company Car’ tiene un comienzo un poco engañoso con su esquema de balada sami-acústica, pero a medida que se van introduciendo las psicodélicas líneas de sintetizador y el canto se hace gradualmente más rasposo, se cimienta la vía para un nuevo despliegue sofisticado de claro talante progresivo. Yo percibo que el fade-out pudo llegar un poco más tarde, como para dar más espacio a los últimos solos de sinte y de saxo.


El setlist que contiene 6 temas corresponde a la edición especial del disco, pues su repertorio “oficial” solo debe constar de 5 temas. El bonus track no aparece al final sino en penúltimo lugar – me refiero a ‘Everyman’s Forgotten Monday’, una power-ballad progresiva de claros tintes floydianos, mezclando ambientaciones del “Wish You Were Here” y del “A Momentary Lapse Of Reason”. El disco culmina con ‘The Canterbury Sequence Volume 2: Ethanol Hat Nail’, un tema conceptualmente ligado a otro que formaba parte del ya lejano disco debut “The Music That Died Alone”. Bueno, y como indica el título, esta pieza es un tributo a esa vertiente tan especial de la añeja tradición progresiva: los ágiles sabores jazzeros abundan, así como los adornos juguetones y los sonidos “anticuados” de órgano y piano eléctrico, creando así un homenaje múltiple a HAFIELD & THE NORTH, CARAVAN, MATCHING MOLE y NATIONAL HEALTH, además de ocasionales efectos cósmicos de sintetizador que nos remiten a GONG. Atención a la secuencia densa y pesada que comienza a eso del minuto 8, ¡¡formidable!! Este tema está muy bien armado, no pierde el foco a través de su diversidad interna, y supone un redondeo bien definido de la ideología ecléctica que preconiza THE TANGENT. Como balance general, “Down And Out In Paris And London” resulta a mis oídos un disco recomendable para los obsesivos melómanos progresivos de siempre.


Muestra de “Down And Out In Paris And London”.- 
Paraxotine: http://www.youtube.com/watch?v=voJQh4vmXXY

Friday, November 27, 2009

El retorno de PO90 con "Jitters" - rock progresivo a puro músculo


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente tengo el enorme agrado de presentar mis apreciaciones sobre el disco de retorno de PARALLEL OR 90 DEGREES, titulado “Jitters”. PO90 (como le llaman los amigos) era una de las bandas británicas que yo más apreciaba del revival progresivo noventero, y ciertamente se hizo extrañar por muchos mientras estaba relegado a un periodo de hibernación durante el desarrollo de THE TANGENT. El dinámico Andy Tillison, compositor, letrista, cantante, tecladista y guitarrista de PO90 se sentía cómodo y ocupado en su inicial asociación con Roine Stolt durante los primeros años de THE TANGENT. Quedando como única fuerza creativa al frente de esta banda, e incluso con un nuevo lanzamiento al mercado este año, Tillison pudo por fin darse abasto para retomar el proyecto de PO90. Por lo escuchado en “Jitters”, puedo aseverar fehacientemente que se ha tratado de una excelente ocurrencia, pues lo que se encuentra aquí es un disco muscular, repleto de sonoridades robustas y cimentado sobre un tratamiento moderno de las más típicas ambiciones progresivas. En buena medida, este disco preserva y enfatiza el tipo de garra sofisticada que se plasmó en el hasta ahora último disco de la banda “More Exotic Ways To Die” (del año 2002). Usualmente un quinteto durante sus primeros 7 años de existencia, en esta segunda fase de su carrera PO90 es un cuarteto de Andy Tillison (voz, teclados y guitarra), Dan Watts (guitarras y artilugios electrónicos), Matt Clark (bajo) y Alex King (batería y artilugios electrónicos).

Desde la vía de entrada plasmada en el tema irónicamente titulado ‘Interlude’ se siente un punche fenomenal, portando un filo inapelable que se desarrolla consistentemente a través de un motivo sólido: su estructura es un anticipo de riffs y motivos que aparecerán más desarrollados en varios temas que siguen a continuación. Como al fin y al cabo, se trata de un preludio, el primer ejercicio notable de desarrollo musical se da en ‘Standalone’. Durando casi 6 minutos, el tema se inicia con una evocativa introducción de piano que nos pone en ambiente con la emotividad arrolladora que se va instalando desde que los guitarreos entran en acción. ‘Threesome’ tiene una naturaleza más electrizante merced a la rabiosa confluencia entre los guitarreos y el sintetizador que se explaya sobre una arquitectura rítmica tremendamente sólida. Las alusiones a esquemas sonoros de PORCUPINE TREE, O.S.I. y MUSE son claras de percibir. ‘Entry Level’ tiene un swing un tanto tirado al soul de base funky, lo cual hace que se genere un oasis de contención en medio de los aguerridos ejercicios rockeros que han tenido lugar hasta ahora. ‘Backup’ parece portar descaradamente la influencia del PT de los últimos 10 años, estableciendo atmósferas llamativas en clave de rock potente que se explaya mayormente en un medio tiempo. En su interludio, el esquema rítmico se intensifica hasta el punto de crear un impacto psicodélico bárbaro desde una patente vecindad con el prog-metal, lo cual sirve para que el clima sonoro de la pieza implosione convincentemente tras regresar al compás inicial. El tema homónimo prosigue ciertamente por esta herencia PT, siendo así que también se pueden notar ciertas afinidades con MUSE y la faceta aguerrida de RADIOHEAD. Más adelante, las cosas se ponen un poco más eclécticas con la expansión de ciertas cadencias jazz-rockeras en el esquema rítmico y el uso relativamente destacado de teclados cósmicos, todo ello apuntando a asentar una especie de contraste con los pasajes más duros. ‘The Dock Of The Abyss’ combina en buena parte de su estructura interna la agilidad del post-punk con la pegada del rock alternativo melódico, pero lejos está PO90 de querer hacer una canción convencional sin más: los adornos de teclado son efectivamente bizarros, así como también lo es el intermedio metalero desde el cual se crea un clímax bastante ágil. Los últimos siete minutos del disco están ocupados por ‘On The Death Of Jade’: portando una base sonora patentemente digitalizada, la pieza recrea una ingeniosa confluencia de space-rock, Indie y krautrock, instalada sbre un compás semi-lento que evoca cadencias nostálgicas. Ya en discos antiguos de PO90 hallamos composiciones en esta línea, así que podemos decir que esta canción refleja la esencia más añeja de esta banda felizmente resucitada.

Éste es un disco que rebosa energía rockera en un sentido decididamente frontal, aunque no se enmarca en el mainstream, sino que cuenta con sólidos recursos de sofisticación artística como para ameritar credenciales progresivas. No cabe duda que Andy Tillison sabe sentirse seguro dentro de un terreno musical que es tan ajeno a la fastuosidad retro de THE TANGENT, y si “Jitters” fue diseñado para demostrar que PO90 es una fuente de polenta rockera que no se ha enmohecido durante su periodo de hibernación, entonces a mí me consta que la demostración ha sido irrefutable.

Sunday, November 22, 2009

THE MUFFINS - Repasando dos discos de este excelente ensamble progresivo estadounidense

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión quisiera sacar a colación a una banda estadounidense llamada THE MUFFINS, banda que he descubierto hace poco. Dada su veteranía y lo especialmente relevante que ha sido y sigue siendo su marginal aporte al enriquecimiento de la vanguardia rockera de su país, debo decir que el nombre de dicho grupo debe quedar registrado con suma urgencia en las agendas de los melómanos progresivos que aún no tienen nada de ellos en sus respectivas colecciones. Hasta ahora, lo que tengo de ellos se reduce a su disco debut de 1978 “Manna / Mirage” y el disco del año 2004 “Double Negative” (el segundo tras su reunión a fines de los 90s), dos trabajos fonográficos lo suficientemente distanciados entre sí como para poder apreciar sus orígenes tanto como su posición actual.

“Manna / Mirage” es un disco un tanto artesanal que, a pesar de no contar con un trabajo óptimo de producción sonora, refleja un genuino interés por realzar el potencial de la vanguardia progresiva desde el Canterbury, el rock in opposition y el estándar del jazz-rock fusión planteado por nombres como WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER. El grupo ya había estado por un par de años en salas de ensayo y estudios de grabación, registrando temas mientras aún andaban en busca de un contrato discográfico permanente. Cuando esto finalmente sucedió, el baterista del grupo era otro que el original y ya no había guitarrista en su alineación: es por ello que los teclados y los vientos ocupan un lugar tan patentemente crucial dentro del sonido global de grupo, y de hecho, esta circunstancia se constituirá en un eje esencial en torno al cual se irá desarrollando la obra de THE MUFFINS a través de su intermitente trayectoria.

‘Monkey With The Golden Eyes’ ocupa los primeros cuatro minutos del disco, creando texturas otoñales de directa orientación minimalista: con las cadencias de piano eléctrico y los medidos retazos de la flauta y otros vientos, se arma una base fértil para un ingenioso juego de texturas delicadas, líricas, ensoñadoras, que poco a poco elaboran un clímax otoñal bastante aventurero. Cabe decir que, a pesar del carácter esencialmente contemplativo de esta pieza, nos logra introducir inconfundiblemente en la exquisita mezcla de energía y estilización de la cual el grupo va a hacer gala de aquí en adelante. Una vez concluido el clímax del primer tema, emergen las deconstrucciones frontalmente free-form que dan inicio a ‘Hobart Got Burned’.

Esta introducción es todo un manifiesto contra nuestras ideas habituales de estructura a favor de la idea de caos coyuntural. Para decirlo de una forma más clara, se trata de un tema desestructurado que debe mucho al HENRY COW 73-74, y de manera indirecta, a las líneas de trabajo más bizarras del free jazz. Una vez que se asienta un esquema rítmico más cohesivo, las cosas se ponen bastante vibrantes, revelando influencias del SOFT MACHINE post-Wyatt sin hacerlas hiperbólicas. ‘Amelia Earhart’ comienza con una breve introducción de percusiones tonales y concretas, la cual precede a un entusiasta cuerpo central que conjuga una cálida confluencia entre GILGAMESH y WEATHER REPORT. El bajista encuentra dos o tres espacios para lucirse en medio de la amalgama sonora global, y realmente se muestra dispuesto a ostentar las influencias recibidas del maestro Hugh Hopper. En general, se nota que el grupo ha sacado buen provecho del espacio que se ha otorgado a sí mismo para explorar su faceta más extrovertida y reciclarla con la debida sofisticación inherente a toda intencionalidad progresiva genuinamente ambiciosa – en este caso, hay una sección lánguida que emite una sensación de misterioso peligro, la misma que el oyente puede especular que refleja la soledad de quien realiza un vuelo sobre el océano, o tal vez sea más bien una elegía en homenaje a la aviadora que terminó estrellándose sobre aguas misteriosas.

La total segunda mitad del disco está ocupada por una épica composición de más de 22 minutos titulada ‘The Adventures Of Captain Boomerang (For Mike Forrester)’. En muchos aspectos, hallamos aquí ambientes y arreglos instrumentales similares a los que ya habían marcado el desarrollo del tema anterior, aunque cabe señalar también que hay adornos tipo ZAPPA que permiten a esta pieza aumentar el sentido de aventura. Hay cambios de motivos y ambientes durante el largo desarrollo de la pieza, pero el grupo se resiste a jugar con contrastes: los giros y sorpresas se insertan convincentemente en una travesura fluida y grácil. Los últimos pasajes son juguetones con un cierto elemento de tensión incorporado, el cual motiva un efectista final abrupto.

Cuando después paso a “Double Negative”, se me revela un grupo que tiene ya total control sobre las técnicas para transmitir con total fluidez su oficio e ingenio creativo, contando además con medios más adecuados de producción.

‘The Highlands’ comienza con envolventes ambientes cósmicos signados por una combinación de capas de sintetizador y líneas de saxos, para que luego el cuerpo central reelabore estas atmósferas con un fulgor más extrovertido, casi como una cruza entre HAPPY THE MAN y SHADOWFAX. ‘Writing Blind’ exhibe una sonoridad más muscular, con un destaque de las secciones donde se da el notable realce de la dupla rítmica y los alucinados solos de saxo. La alternancia con interludios un poco más suavizados completan un cuadro de refinada sofisticación. ‘Choombachang’ tiene un título graciosamente zappiano, y fíjense por dónde, se puede describir como un eficaz ejercicio de reciclamiento del FRANK ZAPPA de big band. ‘The Ugly Buttling’ guarda una actitud más evocativa a través de su convincente armazón disonante tan propio del RIO. La secuencia de ‘The Man In The Skin Painted Suit’ y ‘Childhood's End’ muestra un talante especialmente calmado dentro del bloque general del álbum, mientras que ‘Exquisite Corpse’ – a contrapelo de su título idílicamente necrofílico – resulta una pieza bastante alegre y marchosa: el uso de climas fingidamente tétricos en sus arreglos de metales (a ratos afines al prototipo de ‘Peter Gunn’), guitarra eléctrica y percusión está diseñado para ensalzar lo humorístico, sin por ello perder un ápice de estilización. ‘They Come On Unknown Nights’ sí está lleno de sordidez, aunque no es chocante ni impenetrable, sino que es un exquisito ejercicio de chamber-rock; su conciso epílogo se engarza con el siguiente tema, ‘Cat’s Game’, el cual recoge un dinamismo híbrido entre ZAPPA y THINKING PLAGUE.

A partir de este punto, el disco pasa a focalizarse prioritariamente en esquemas sonoros más recurrentemente relajados - ‘Stethorus Punctum’ explora suaves esquemas disonantes con aires tipo Canterbury, mientras que ‘Dawning Star’ se apunta hacia un sendero más cándido de corte World Music, aunque no exento de efectivas dosis de densidad, y ‘5:00 Shadow’ tiene un groove simultáneamente sensual y relajante sobre el que superponen climas sonoros propios de la banda sonora de un film noir con moderados matices R.I.O. A pesar de que este tema daba en sí mismo como para un desarrollo más largo, el controlado deconstructivismo que prosigue con el siguiente tema, ‘Metropolis’, redondea los climas claroscuros con un uso inteligente de la raíz originaria del free jazz cálidamente instalada en un esquema rítmico sobrio y pulcro. ‘Angel From Lebanon’ combina secciones evocativas con otras un poco más áridas, para finalmente desembocar en un ágil jam honestamente inspirado en el estándar de HATFIELD & THE NORTH y el SOFT MACHINE post-Wyatt. La dupla de ‘Frozen Charlotte’ y ‘Maya’ porta un lirismo cautivante e irresistible, llenando un espacio de calma envolvente en medio del inteligente despliegue de eclecticismo del álbum, siendo así que el terreno está preparado para que ‘The Two Georges’ cierre el álbum con un nuevo ejercicio de progresivo jazzeado a lo Canterbury con ciertos ornamentos R.I.O. – mención especial para su bizarra introducción de órgano gótico.

En fin, ¿qué más puedo decir en este momento sobre THE MUFFINS? Pues que recomiendo fuertemente que los melómanos progresivos que aún no tienen nada de ellos en sus respectivas colecciones privadas que anoten su nombre en una agenda de próximas compras prioritarias. ¡¡No se habrán de arrepentir!!

Friday, November 06, 2009

La eternidad progresiva según SYZYGY

En esta ocasión traigo a colación a SYZYGY, banda estadounidense formada por veteranos amantes y cultores del progresivo sinfónico pero que recién en los últimos años ha podido gestar una carrera discográfica. Durante la primera mitad de los 90s, bajo el nombre original de WITSEND, el grupo liderado por el guitarrista Carl Baldassarre y el teclista Sam Giunta hizo su debut fonográfico con “Cosmos and Chaos”. Hizo falta que pasara una década completa y un nuevo bautizo (para llamarse SYZYGY) antes de que el grupo completara su segundo trabajo, “The Allegory Of Light”, un disco bastante sólido, definidamente enmarcado bajo el esquema retro sinfónico. Las influencias de YES, ELP, KANSAS y el PINK FLOYD 73-75 se reciclaban a través de filtros afines a los utilizados por TRANSATLIANTIC, el SPOCK’S BEARD pre-“Snow”, SALEM HILL, un poco de KAIPA y otro poco de HOLDING PATTERN también. Ahora, en 2009, “Realms of Eternity” confirma que SYZYGY sigue crucialmente interesado en explorar esta estrategia progresiva particular – en todo caso, este nuevo disco exhibe un ímpetu un poco más medido en comparación.

La secuencia de los tres primeros temas, ‘Darkfield’, ‘Vanitas’ y ‘Dreams’, instaura el modus operandi de la banda sin mayores tapujos. Entre los dos temas cantados (el primero y el tercero), prefiero el último dado que logra perfilar un esquema melódico más contundente, por vía de una serie especialmente ingeniosa de arreglos fastuosos, adecuados para la ocasión. Pero es en el instrumental ‘Vanitas’ donde hallamos las más poderosas dosis de polenta e ingenio melódico para la primera media hora del disco – me atrevería a asegurar que se trata de la mejor pieza de SYZYGY hasta la fecha. ‘Echoes Remain’, el cuarto tema, vira hacia un recurso muy diferente: se trata de una balada acústica desarrollada a través de una ambientación bucólica serena, plasmada en la elegantemente sobria comunión entre las guitarras acústicas y las delicadas capas de teclado (especialmente el sintetizador que emula al mellotron de flautas).

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
‘Dialectic’ (que dura 16 ½ minutos) y ‘The Sea’ (opus que ocupa los últimos 28 minutos del álbum) están a cargo de retomar la prestancia fastuosa propia del retro-prog en torno a la que SYZYGY articula su esencia artística, exhibiendo las influencias y afinidades que mencioné más arriba. En ‘The Sea’ tenemos piezas que tienen títulos autónomos: aparte de la delicada estilización otoñal de ‘Arranmore Isle’ y ‘Reflections’, y la suave agilidad pastoral de ‘The Morning Song’, todas las demás secciones de este opus reflejan dinámicos desarrollos melódicos y enérgicas arquitecturas sonoras robustamente ambientadas en un esquema sinfónico alimentado con ciertos elementos AOR. El solemne clímax con que se cierra la última sección ‘Finale’ establece un clima de majestuosidad bastante coherente con la base general del disco. El entusiasmo e ingenio de SYZYGY están más allá de cualquier duda, y aquí está “Realms Of Eternity” como prueba contundente de ello.

Monday, November 02, 2009

INDUKTI y su segunda arremetida progresiva con "Idmen"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

En esta ocasión quiero sacar a colación el nuevo disco de INDUKTI llamado “Idmen” – se trata de la segunda obra de este ensamble polaco de metal progresivo, y vaya si no ha logrado capitalizar y acrecentar las dosis de energía y creatividad que años atrás habían sido vertidas en “S.U.S.A.R.”, el disco debut que fue tan bien recibido en su momento. Pues bien, INDUKTI ahora ha conquistado una especial culminación de intensidad musical, la cual atraviesa de manera integral y consistente el repertorio de “Idmen”. Esta oferta de INDUKTI se focaliza en un progresivo metálico empapado de math-rock, metal experimental a lo TOOL, fusión psicodélica a lo GORDIAN KNOT y ciertos recursos industriales. Hay una lista de invitados especiales que se turnan en las contadas piezas cantadas, destacando Nils Frykdahl de SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM (en 'Tusan Homichi Tuvota'); también hay invitados en instrumentos tales como la trompeta y el cimbalom, ítems que son bien aprovechados en varios de los arreglos que salen a colación a lo largo del disco.

‘Sansara’ abre el disco con una polenta poderosa y mágica, con unas guitarras duales que manejan muy bien sus impecables complementaciones mutuas en los riffs, mientras que la batería se desenvuelve ágilmente a través de complejos desarrollos rítmicos. Poco antes de llegar al minuto 5, el tema vira hacia lo reflexivo, con un medido protagonismo de lo acústico. ‘Tusan Homichi Tuvota’ abre con guitarras acústicas y cimbalom, mostrando una calma engañosa que pronto abre sus horizontes hacia sonoridades neuróticas en medio de aguerridas pulsaciones que poco a poco van instalando las bases para una creciente oscuridad emocional. De por sí, esta pieza se destaca principalmente por sus aires exóticos, los cuales volverán a aparecer en varios otros momentos del disco. Tal vez se trate de mi tema favorito de “Idmen”. ‘Sunken Bell’ es un retazo de percusiones exóticas y capas cósmicas, como si se tratara de una hipotética banda sonora para una película de David Lynch producida y compuesta por una banda étnica en los Real World Studios. ‘And Who's the God Now?!...’ comienza con una dinámica tribal para grisáceos sortilegios, para que luego el cuerpo central siga los aportes de OPETH y el PORCUPINE TREE actual, aunque cabe señalar que lo exótico sigue siendo un elemento crucial. Los delirios ritualísticos del final conjuran una mezcla de magia y locura tan inquietante como atractiva.

Nada puede sorprendernos al llegar al ecuador del disco, pero seguimos escuchando para complacernos con ‘Indukted’, tema arrollador e intimidante donde las ráfagas rockeramente pesadas se transportan ágilmente sobre ingeniosos juegos de síncopas, muy a lo math-rock (un poco refiriendo al DON CABALLERO de los primeros cuatro discos). Tras una coda de cimbalom, ‘Aemaet’ comienza perpetuando el clima de neurosis impenetrable de la pieza anterior. Poco antes de llegar a la frontera de los 3 ½ minutos, la pieza vira hacia un paraje etéreo de corte space-rock, alimentado por una estilización a lo PORCUPINE TREE pre-“In Absentia”. El pasaje final retoma la contundencia inicial a la par que conserva la vibración cósmica recién instalada. ‘Nemesis Voices’ es básicamente un nuevo ejercicio de prog-metal con acentos math-rock, precediendo a ‘Ninth Wave’, el mismo que ocupa los últimos 11 ½ minutos del disco. El tema abre con atmósferas contemplativas en las que la trompeta invitada ocupa un lugar destacado. Más adelante tenemos un delicioso dueto de guitarras acústicas cuya sencillez estructural sirve para estimular el armado de una ambientación cálida empapada de misterio. Al llegar al tercer minuto, el esquema rítmico y el trío de guitarras y violín crean un crescendo en aras de armar un nuevo despliegue de potencia inteligente. Con el posterior uso de fraseos místicos de violín y una breve sección de rock-fusión, la pieza recrea un aventurero eclecticismo antes de pasar a la fastuosa coda metálica. Los sonidos de olas y gaviotas en la costa marcan el epílogo de esta pieza y de este excelente álbum. INDUKTI ha logrado engalanar el ámbito progresivo para este año 2009.

Wednesday, October 28, 2009

Viva la buena música - con DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO


HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA

En esta ocasión traigo a colación el disco “Viva Belice”, una reveladora obra progresiva para este año 2009 a cargo del ensamble argentino DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO. Más que un ensamble sin más, éste es un súper-grupo. Echemos un vistazo a la conformación: el baterista Daddy Antogna, versátil y veterana leyenda viviente de las vanguardias rockera y jazzera de su país, incluyendo su presencia en AVE ROCK, banda pionera del progresivo argentino de los 70s; el guitarrista Alan Courtis, curtido cultor del rock experimental que formó parte de REYNOLS; el bajista Nicolás Diab y el baterista Fernando de la Vega, quienes en LAS OREJAS Y LA LENGUA generaron un renovada motivación en el underground rockero argentino del nuevo milenio. Estos cuatro músicos juntos se asociaron para seguir alimentando las aguas de la experimentación rockera en base a una excitante confluencia de psicodelia y jazz-rock bajo un esquema progresivo tan enérgico como rico en texturas. El uso de baterías duales sirve para gestar un esquema nuclear sonoro contundente, siendo así que los guitarreos de Courtis y las ocasionales presencias del violín y el cello (a cargo de invitados especiales) ayudan a enriquecer la paleta sonora.

“Viva Belice”, ítem recientemente editado por el sello Viajero Inmóvil, está conformado por material grabado y producido entre 2007 y 2009. Comenzando con un tema como ‘Frascos tendidos’, que es tan efectivo en su sofisticada polenta rockera, más adelante encuentra expresiones más explícitas de su potente dinamismo en ‘Desincrustante’ y ‘Sub ombra floreo’: este último hace destacar con particular fruición su filo crimsoniano. En medio de estos dos temas se halla la pieza homónima, donde el grupo, elegantemente instalado sobre un swing jazzero en un compás inusual, da prioridad a explayaciones sónicas cálidas. Otro tema de talante predominantemente introspectivo es ‘Brazo largo’, ello a pesar de que en su última sección el trío rítmico apura el compás. ‘Colapsa’ establece una alternancia de pasajes introvertidos y extrovertidos, mientras que ‘Al-Carreta’ se despacha en incandescentes brotes de fuego rockero. Durando casi 10 minutos, ‘Verónica D.’ cierra el álbum en base a un jam básico en el que el cuarteto desarrolla dos distintos crescendos sucesivos: este conclusivo manifiesto psicodélico, me parece, porta las concluyentes herencias del post-rock y la tradición krautrock. ¡Un gran final para un gran disco!

En estos enlaces de Youtube podemos ver al grupo en acción.

Desincrustante: http://www.youtube.com/watch?v=7GUamzHg490
Colapsa: http://www.youtube.com/watch?v=L_5ZadxcZAo<
Verónica D.: http://www.youtube.com/watch?v=5v7pyla2ycE

Es muy probable que estas imágenes escogidas valgan más que mil palabras a la hora de intentar explicar por qué DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO es un grupo tan bueno y su disco “Viva Belice” es tan bueno. Más que buscar explicaciones, más rápido resulta dejarse convencer por las evidencias.

Sunday, October 11, 2009

DO MAKE SAY THINK: desde Canadá viene la verdad actual del post-rock



HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

DO MAKE SAY THINK es el nombre de un ensamble canadiense que se ha estado convirtiendo sostenidamente en una nueva figura líder dentro de la vertiente post-rock mundial: “Other Truths” es el título de su oferta fonográfica para este año 2009. Una característica que se hace notar rápidamente sobre este grupo es que desarrolla sonidos y ambientes más musculares que los que se suelen manifestar en obras clásicas y otras no tan clásicas del susodicho género post-rock – justamente este disco puede servir como una buena vía de introducción para quienes aún están por descubrir a esta banda. En varias fuentes de Internet se saca a colación comparaciones y/o paralelos con TORTOISE y GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! a la hora de esbozar descripciones de su música, pero lo real es que este grupo sabe crear su voz propia en medio de los reconocibles estándares del género. Más bien, algunos pasajes caracterizados por una furia contenida pueden hacernos recordar un poco a Isis, pero como digo, DO MAKE SAY THINK exhibe suficientes recursos como para que se le pueda considerar un ítem de valía particular. “Other Truths” no es un disco muy largo – dura poco menos de tres cuartos de hora. Otro detalle está en que el esquema sonoro se muestra, en general, menos prolijo que en discos anteriores: un rasgo particular para una banda que no se cansa de explorar las potencialidades del buen post-rock.

‘Do’, el tema que abre el disco comienza con una amable secuencia de arpegios de guitarra que, al irse acompañando de inmediato con medidas intervenciones de trompeta y saxo, va articulando un preciso y coherente preludio al dinámico desarrollo del cuerpo central: atmósferas etéreas pero no lánguidas, sino más bien pertrechadas bajo un esquema rítmico ágil que permite al ensamble plasmar sus iniciales alusiones contemplativas con una inocultable aureola de entusiasmo. Una vez que la base rítmica se detiene, ‘Do’ transita hacia un eslabón muy diferente, lánguido y denso, emparentado con el estándar que GYBE! ha convertido en un relevante punto de referencia para el post-rock. Algunos adornos de corte industrial se inmiscuyen entre las texturas emitidas por las guitarras duales poco antes del final, el cual llega con un portazo. ‘Make’ ofrece una vibración expresiva un poco más contenida, menos veloz pero con una estructura rítmica de ciertas sutilezas jazzeras: las complementaciones que elaboran las guitarras permiten al esquema global de la pieza abarcar un dinamismo efectivo, el cual llega a momentáneos pasajes álgidos cuando la pieza llega a su clímax. Este clímax rebosa de intensidad grisáceamente otoñal en medio del fulgor rockero que tiene lugar. Una vez concluido el clímax, el bloque instrumental desemboca en un mar minimalista dotado de una medida pero indudablemente patente majestuosidad.

‘Say’ comienza con un motivo repetitivo que parece estar saliendo sigilosamente de un escondite. No pasa mucho tiempo antes de que el motivo se recicle a través de sonoridades un poco más enérgicas, siendo así que la alternancia entre toques suavizados y despliegues explícitos está manejada con pulcra fluidez. Hay una cierta cualidad acuática en algunos juegos de arpegios generados por las guitarras duales. La sección final se basa en una retoma del motivo inicial, siendo llevado a una dimensión etérea enfatizada, incluyendo un arreglo coral bastante lírico. ‘Think’ cierra el disco explayándose en atmósferas lánguidas semejantes a algunos de lo que ya se hicieron presentes en ‘Make’ y ‘Say’, con la novedad de que el lento esquema rítmico manejado en el inicio tiene una inconfundible cadencia jazzera. La tenue producción de sonido ejercida sobre esta pieza que se apoya en una recurrente monotonía que sabe a letanía permite que el álbum concluya con un tenor crepuscular donde la melancolía y el relax se mezclan en una sola sensación. De esta forma se completa la oferta mostrada por DO MAKE SAY THINK en este disco que promete cautivar a todos los melómanos aventureros durante este año 2009. ¿Se percataron que el nombre de cada tema corresponde a cada verbo que forma parte del nombre de la banda?